El fraude del arte contemporáneo

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 No, no me parece una crítica elitista, sino que refleja una realidad evidente, aunque a mi humilde entender incompleta. La imagen siempre ha tenido una componente banal. Ya en la Biblia Dios prohíbe al hombre hacerse imágenes de lo que está arriba en el cielo y abajo en la tierra, y esto creo que tiene un significado concreto ya que la imagen cercena una de las cualidades más poderosas del ser humano, su imaginación. La imagen es capaz de fijar en nuestra memoria, un estado de las cosas que en realidad es variable, diverso y circunstancial, y por tanto nos sustrae de enriquecernos el entendimiento con dicha diversidad.

Esa misma imagen de la Plaza Mayor de Salamanca que aparece en el artículo, vista en vivo no evoca lo mismo a un turista japonés que a un americano, ni a un salmantino de izquierdas que a uno de derechas. Ni siquiera va a significar lo mismo para dos personas de una misma familia que la visiten en el mismo momento del día, sin embargo, cuando la imagen se fija en un papel o en un archivo digital, aislada del observador, de su contexto y del ambiente cambiante, pasa a convertirse en una especie de prototipo de lo que debe ser y significar dicha plaza para todo el mundo.

Trataré de explicarlo con un ejemplo más concreto. Soy catequista de confirmación en mi parroquia, y por ese motivo ayer conversaba con un grupo de jóvenes de entre 17 y 18 años, sobre como imaginaban ellos a Dios. Todos sin excepción, tenían hecha una imagen de Dios, fundamentada en la imaginería del arte sacro. Más o menos la mayoría lo imaginaban como un anciano de largas barbas, con un triángulo en la cabeza y los brazos abiertos, que desde las nubes observa cuanto ocurre en el mundo, lanzando a veces rayos a quienes no actúan como él quiere. Si uno escribe Dios en Google y busca por imágenes, esa es exactamente la imagen mayoritaria que devuelve el buscador, completamente distorsionada con respecto a la realidad, y por tanto distorsionadora del entendimiento humano de Dios. Transmitir el ser, el amor y la voluntad a Dios desde esa perspectiva, es francamente una tarea muy difícil. En realidad, puede decirse que se trata de un hecho limitante, tanto para este caso concreto de la religión como para muchos otros campos de la realidad humana.

Y aquí es donde debería entrar el arte como expresión creativa y diferenciadora, capaz de aportar una construcción ideal más sólida y evocadora de la que aporta la repetición incansable de imágenes similares. En el caso que comentaba de estos jóvenes, me veo en la obligación de elaborar una imagen más perfecta de Dios que la que ellos han heredado, para romper las limitaciones que aquella tiene y aunque en su día sirviese para transmitir una determinada idea de Dios adaptada al entendimiento de otra época. Paradójicamente, el arte es aquello capaz de evocar trascendiendo la banalidad, pero que el tiempo acaba convirtiendo en banal, ya que la vida es cambiante y todo lo que hoy es singular mañana se transforma en plural.

La imagen banaliza tanto a Dios, como a la Plaza Mayor de Salamanca o lo que se quiera dibujar. Sin embargo, nuestra realidad se ha configurado en torno a las imágenes, y por tanto las necesitamos para construir una idea de la realidad en la que nos movemos, eso es algo que no tiene vuelta atrás salvo que ocurra un cataclismo que nos cambie por completo toda la realidad existente. Hasta las sectas y religiones más literalistas con respecto a ese mandato bíblico, han elaborado diferentes formas de imaginería, necesarias para construir su mundo de ideas. Y como todos vivimos en alguna medida en el mundo de las ideas, es inevitable que, a medida que la técnica permite que hasta el menos avezado pueda elaborar imágenes, hoy estas se multipliquen hasta la saciedad banalizando más y más ese mundo ideal en donde se mueve el ser humano.

La banalización de la imagen, ya sea fotográfica o pictórica, no se da tanto por la profusión de artefactos capaces de captar imágenes, como por nuestra multiplicidad y necesidad de captarlas para expresar así los sentimientos, emociones o deseos que nos evocan. Dicho de otra manera, necesitamos compartir nuestro particular mundo de las ideas para sentirnos parte de una comunidad, y eso provoca la multiplicación de imágenes como comunicadoras de ese mundo.

Yo lo veo como un árbol en flor, donde cada imagen es una flor que invita la polinización mediante el deleite de su néctar, pero donde solo algunas, las mejores, se convertirán mañana en frutos de donde surgirán nuevos árboles o construcciones ideales. Y como en todo árbol, creo que en este de las imágenes digitales que lo inundan todo, también llegará un momento en el que las flores marchitarán dando paso a frutos reales. Hay una máxima entre los fotógrafos más tradicionales que dice que: "Toda fotografía que no se imprime, no es más que un proyecto inacabado".

No sé si habréis visto la película El Último Samurái, una de las mejores películas que a mi entender ha dado el cine, donde se narra de manera excelente la desaparición del orden tradicional. Hay una escena sonde Katsumoto le muestra a Algren su inquietud poética, explicándole que está escribiendo un poema sobre la flor perfecta, como alegoría de la vida, añadiendo al respecto que es algo muy raro y que quién dedique su vida a buscar una sola, no habrá malgastado su vida. Cuando al final de la última batalla Katsumoto muere, antes de morir encuentra el verso que le faltaba para completar el poema de su vida, y dice mirando a unos cerezos florecidos que se ven al fondo: "Perfectas...Son todas perfectas".

Esta publicación ha sido promocionada como contenido independiente

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Recojo la reseña de un libro que guarda bastante relación con el tema del hilo. Hago notar que el autor de la reseña es Víctor Lenore, al que citaba como izquierdista crítico que está desarrollando discursos transversales en el hilo sobre la izquierda y la cuestión nacional.

Cita

Iván de la Nuez: "España está llena de museos vacíos a los que el público ha dado la espalda"

El escritor y ensayista publica el ensayo 'Teoría de la retaguardia' una demoledora crítica del arte contemporáneo

Damien Hirst unto a su célebre tiburón en formol. (EFE)

Víctor Lenore
Tiempo de lectura 8'

11/11/2018 05:00 - Actualizado: 11/11/2018 15:34

Hablamos de un libro pequeño y delgado, 125 páginas, pero lleno de ideas-bomba. Se titula 'Teoría de la retaguardia. Cómo sobrevivir al arte contemporáneo (y a casi todo lo demás)', publicado por Consonni. Su autor, Iván de La Nuez, nació en La Habana en 1964, pero vive en Barcelona. Es uno de los críticos de arte más afilados que se pueden leer en castellano. “Mi ‘Teoría de la retaguardia’ parte de que eso que llamamos 'arte contemporáneo' es un espacio en el que el comunismo encontró cobijo cultural y estético después de su derrota política. Y es un ejemplo muy claro de la colonización y el encapsulamiento de los discursos radicales del cambio. Con su revolución para el museo, su lucha de clases para coleccionistas, su activismo social para un mundo que, al mismo tiempo que le compra su crítica, sigue reproduciendo la causa de esa crítica hasta el infinito. De ahí mi demanda de una autocrítica de arte consistente. Y de ahí que el libro no intente ponerle delante una guerrilla hostil al arte contemporáneo, sino un espejo”. La imagen que devuelve no es demasiado bonita.

'Teoría de la retaguardia'

 

El arte político no atraviesa su edad de oro. “Lo siento, pero soy bastante aprensivo cuando me enfrento a un museo que expone un judío en una vitrina, o cuando un dramaturgo expone a personas negras para alertarnos sobre su sometimiento colonial a base de reproducirlo. O a un emigrante rumano para que veamos lo jodido que está, como si hiciera falta acudir a un museo para ver la enorme injusticia del mundo. Todo esto lo trato como una mutación del ready-made de Duchamp. Sólo que, si en sus tiempos eran los objetos los que se introducían en el museo, ahora son los sujetos. Si antes eran las cosas, hoy son las causas”, señala. Denuncia que gran parte de esta escuela ha terminado en caricatura elitista, que podría describirse con el lema “todo por el pueblo y todo sobre el pueblo, pero sin el pueblo”.

No diga Guggenheim, diga McDonalds

En uno de los capítulos más potentes, denuncia la sucursalización de los museos, que bien podríamos llamar “macdonalización”, un término más gráfico. “Esta catarata de museos explota en los años ochenta del siglo pasado. Fue en Estados Unidos, gracias a la eclosión neoliberal, mientras que en Europa forma parte de un modelo socialdemócrata que ahora mismo está en serios problemas. Y la verdad es que lo que pasa con los museos es trágico, aunque no muy diferente a lo que ocurre con la cultura en general, los diarios, las editoriales… Son hijos de un mundo que se sienten obligados a sobrevivir en otro”, subraya. En 2018, el arte sigue siendo “ese lugar donde tienes el pie izquierdo en el 15-M y el derecho en los petrodólares. Y todos lo sabemos, sólo que no es de buen gusto ni vanguardista decirlo. Por eso hay que explicarlo desde la retaguardia, un término que, además, puede conjugarse con retranca”, apunta.

 

Iván de la Nuez. (CCCB)

 

La reivindicación de la retaguardia no es un simple juego de palabras. Su ensayo huye de la pedantería habitual en el género “La fórmula que aplico es bastante sencilla, justo cuando se cumplen cuarenta años de la ‘Teoría de la vanguardia’, de Peter Burger. Para este autor, la vanguardia debía romper la barrera que separaba al arte de la vida. Lo que yo planteo es más modesto, y es que el arte hoy no puede medirse por su relación con la vida sino con la supervivencia, que es la continuación de la vida por medios más precarios. También demando que, en lugar de medirlo por las ‘grandes causas’ que enarbola, convendría calibrarlo por las consecuencias que nos han traído esas causas. Aquí, prefiero seguir a Robert Louis Stevenson antes que a Arthur Danto y otros teóricos sobre los que han basado sus carreras muchos de nuestros “international curators”. Me gusta esa frase de Stevenson en la que afirma que todo el mundo, tarde o temprano, acaba sentándose a un banquete de consecuencias. Desde ese banquete, creo yo que debemos pensar la sociedad y la cultura contemporáneas”. ¿Qué aspecto tiene esa retaguardia? ”Es un sitio de escaso glamur donde te llegan los heridos, hay que alimentar y curar a la tropa, cargar los enseres para la sobrevida. Antes que seguir remedando a una vanguardia inalcanzable, me parecía más interesante alojarse en una retaguardia posible”, plantea.

Museos sin público

El arte contemporáneo vive situaciones disfuncionales, que muchas veces pasan por éxitos. “Si te fijas, cuando los museos necesitan cubrir su número de visitantes, casi nunca lo consiguen desde discursos contemporáneos, sino que tienen que apelar a los clásicos o a valores seguros para agrandar sus colas y tener contentos a políticos o consejos de administración. Es el momento salvador de los Dalí, Sorolla, Picasso, Giacometti... Todo eso nos dice que, de alguna manera, esta cultura rápida de hoy es extramuseística y puede permitirse su propio display fuera de esos templos, pues no arraiga del todo en ellos. España está llena de museos vacíos, y me llama la atención que en muchos sigan teorizando sobre la expansión del propio museo, cuando lo que tal vez habría que conseguir es una imantación que consiga atraer a un público que les da la espalda”, señala.

Cuando los museos necesitan cubrir visitantes, casi nunca lo consiguen desde discursos contemporáneos, sino apelando a los clásicos

Mientras la mayoría debatimos sobre apropiacionismo, De la Nuez muestra que el término está superado. “El antiguo tempo ha sido dinamitado desde una cultura que se mueve a dentelladas, en la que la figura del caníbal ha sido sustituida por la del tiburón y la apropiación por la depredación; a golpes de wassap, twitter, blink (parpadeo), link, selfies, zapping, corta y pega, etcétera. Y esto implica que la mayoría de los museos estén obligados a una aceleración que no está, por así decirlo, en su naturaleza”, opina. Lo que tenemos ahora es “la paradoja de un arte que se vende como rebeldía mientras se niega a asumir que forma parte de los mismos mecanismos que critica. Siempre dispuesto a hablar de todos los problemas del mundo, menos de sus propios problemas. Colocando, a lo Sartre, el infierno en los otros y esquivando el infierno propio. Un arte que es capaz de protestar por las condiciones de los trabajadores en los Emiratos al mismo tiempo que los invade desde un despliegue museístico sin precedentes allí; como antes se desplazó a Japón, a China o a Rusia, siguiendo siempre la ruta del dinero emergente”, denuncia.

Revolución sin revolución

Terminamos con el recuerdo de una amplia exposición, ‘Perder la forma humana’, que pudo verse en el Museo Reina Sofía entre 2012 y 2013. “Por cierto, era una buena exposición. Si fuera un bodrio no gastaría energías en ella, la vida es corta. El caso es que los comisarios de ese proyecto -el colectivo Conceptualismos del Sur- proponían un recorrido por el arte político de América Latina en los años ochenta, bajo los dominios de la Operación Cóndor, las dictaduras neoliberales latinoamericanas, etcétera, con la inclusión de gente tan emblemática como Pedro Lemebel y Néstor Perlongher, o colectivos como OV3RGOZE y el Periférico de objetos. Todo iba bien hasta que llegó el momento de una pregunta puñetera: ¿qué pasaba con los artistas de Cuba y Nicaragua, las dos únicas revoluciones en el poder durante esa época? Aquí, los organizadores esquivaron el problema y no enfrentaron la gran paradoja que tenían delante, persistiendo en la reconstrucción de un radicalismo latinoamericano que no contemplaba las revoluciones que lo inspiraban, ni a los colegas procedentes de estas, que las respiraban”, lamenta.

¿Qué tipo de arte alumbraron estos países revolucionarios? “El arte cubano de esa época no era muy diferente al que activaron sus vecinos contra la Operación Cóndor: creación colectiva, dimensión antropológica, crítica política a su gobierno, desmontaje de los símbolos nacionales, liberación sexual, influencias de Artaud, Grotowski o el arte povera, performance, sospecha de la voz de los maestros... Al mismo tiempo, en Nicaragua sucedía exactamente lo contrario. Allí, el arte impulsado por la revolución se proyectaba como una utopía arcaica, un regreso a la comunidad precolonial marcado por el experimento de Ernesto Cardenal en Solentiname. Estos dos contrapuntos, tan paradójicos, a mí me parecían perfectos para profundizar en las contradicciones entre arte, revolución y política. Pero entonces el arte hubiera estropeado la doctrina, el territorio habría destrozado al mapa. Aparte de que asumir esa contradicción hubiera requerido una autocrítica profunda de las políticas culturales de las revoluciones en el poder, algo que a nuestra ‘izquierda curatorial’ nunca le ha gustado mirar de frente”.

https://www.elconfidencial.com/cultura/2018-11-11/ivan-de-la-nuez-arte-contemporaneo-teoria-retaguardia_1642383/?utm_source=twitter&utm_medium=social&utm_campaign=BotoneraWeb

 

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Esa es una realidad que en el fondo viene de lejos. En Alicante tenemos el MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante), que es una de las más importantes y completas muestras de arte contemporáneo que se exhiben permanente en toda España, con centenares de obras de artistas de talla internacional como Dalí, Picasso,  Miró, Tapies, Chillida, Juan Gris, Kandinsky, Chagall, Equipo Crónica o muchos otros de reconocido renombre. El museo se abrió en 1977, con la colección que legó la familia de un reconocido artista alicantino, Eusebio Sempere, y desde entonces se ha ido ampliando hasta situarla entre las más importantes de España. El edificio del museo, que data del S.XVII, está en pleno casco antiguo de la ciudad, un lugar de paso obligado para turistas y visitantes situado junto a la basílica de Santa María, que es el templo más antiguo de la ciudad edificado sobre las ruinas de la mezquita mayor de la antigua ciudad musulmana en el S. XIV. Quiero decir con todo esto que, tanto el museo como el enclave, gozan del mayor de los privilegios y mejor situación posibles en Alicante, y está considerado por muchos como la joya de la corona de la ciudad sin embargo, desde su fundación hasta la fecha, lo normal es que el museo esté vacio, salvo las visitas concertadas de colegios e institutos, y pese a la ingente cantidad de dinero invertida en promocionarlo durante todos estos años. Simplemente la gente ha venido pasando del MACA desde su origen. Ahora le han incluido una biblioteca y otras actividades pero ni con esas. No entraré en detalles pues no es lugar ni modo pero, tengo una relación estrecha de amistad con personas que trabajan allí o que han desempeñado funciones organizativas en el museo y siempre que nos vemos sale el tema de conversación con la misma queja y pregunta por su parte ¿por qué a nadie le interesa el arte que se expone en ese museo?

Para mi está claro, el MACA siempre fue una imagen de marca turística pero a ellos les sigue pesando el relumbrón que he tratado de sintetizar líneas atràs, y la idea de estar a la vanguardia de la modernidad artística, como si eso por si mismo tuviese algún valor.

Lo que no es capaz de levantar emociones, transmitir armonía o mover a la reflexión profunda (no la de las gónadas sino la otra), no es arte sino comercio.

Si queréis echarle un vistazo al museo: MACA

Basílica de Santa María con el MACA al fondo

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A veces me sorprendo cuando descubro de qué forma Dios va enderazando los reglones torcidos de los hombres. En referencia a todo este tema del arte moderno y el fraude ético y estético que supone en gran medida pues, en realidad la mayoría de esas obras se hacen relevantes, no tanto por su contenido artístico sino cuánto más por los intereses económicos que hay detrás (y esto daría para un tema propio dada la conexión entre izquierda política y arte moderno), hay que recordar también que el arte siempre ha estado conectado con el mundo religioso, pues trata de una de las más altas expresiones creativas del hombre y por tanto expresión de su cernacía al verbo Creador. Desde la pinturas rupestres del arte conceptual prehistórico, hasta la aún incabada catedral de la Sagrada Familia de Gaudí, el arte ha manifestado siempre la relación del hombre con el Creador, creando él mismo en esa relación una estructura de comunicación divina.

Quizás por este motivo, la degeneración del arte moderno viene dada desde entornos ideológicos mayoritiariamente progresistas y ateos, pues si el arte es la forma intelectualmente más elevada que tiene el hombre de manifestar su cernacía a Dios, también es la forma más elevada que tiene para oponerse al Creador y a las tradiciones que han venido salvaguardando su orden a través de los siglos. Y ahora recordemos en este punto que la palabra "satán" significa literalmente "el que se opone", porque exactamente eso es lo que expresa todo ese arte moderno separado de la concepción religiosa que fundamenta al arte, y por tanto creador de una nueva visión conceptual del mundo donde el hombre ya no refleja a su creador -deja de ser imagen y semejanza- y pasa a querer reflejarse a sí mismo, es decir a ocupar su lugar, a imagen de aquel que llaman "Satán".

Cuando Miguel Ángel esculpe la Piedad, amén de transmitir una serie de canónes estéticos de su época, también transmite una esencia superior que sirve para mover a reflexión a cualquier observador. Hace arte con mayúsculas, tanto por la perfecta ejecución de la obra como por su capacidad para transmitir significados elevados que mueven al propio perfeccionamiento del ser humano. Decimos que es arte porque es capaz en definitiva de elevar el pensamiento y el corazón del hombre, trascender su animalidad y acercarlo a su Creador.

El sufrimiento más profundo del ser humano, la fe inquebrantable de una madre, el sacrificio perfecto de un hijo, la esperanza de una vida nueva, y sobre todo el Amor en su más alta expresión. Todo cabe y emana de esa obra, ejecutada además con la más perfecta fidelidad a la realidad que cabe elaborar sobre una piedra muerta, como si la propia piedra fuera la expresión de la esperanza en la resurrección del propio artista.

Sin embargo, el arte moderno, a menudo se muestra como transgresor y destructor de ese orden natural, y sirve así de plataforma de comunicación de todo concepto opuesto a dicho orden. Por tanto, es una herramienta muy útil para todos aquellos que quieren establecer su propia estructura de poder en el mundo o en cualquier forma alejar al ser su humano de su divinidad o fuente de poder, como siempre pretenden las distintas ideologías ateas.

Esta obra de Dalí titulada "El rostro de la guerra" representa, al contrario de la Piedad de Miguel Angel, el terror más profundo y ancestral de la soledad humana, la pérdida de la fe puesta en los monstruos de la razón, la destrucción y muerte de la creación, y sobre todo la consecuencia del odio y la indiferencia, como antítesis del amor, en su más alta expresión que es la guerra.

La Iglesia se ha valido del arte para "poder reflejar la fe y transmitirla por generaciones" por tanto, el arte es una "herramienta de poder y control social" muy antigua, incluso prohibida durante el tiempo del Antiguo Testamento dada su capacidad de conducir al hombre por caminos equivocados. Con los siglos, muchas obras artísticas sacras, han llegado a producir emociones y condicionantes humanas que ni el mismo autor pensó que podrían ocasionar en los demás, siglos después incluso de haber muerto el artista. Podría decirse que, Dios se vale de nuestras creaciones (o visiones de él) para llegar hasta los lugares y tiempos que escapan de nuestra sencilla imaginación, como muestra por ejemplo una de las más importantes obras de arte sacro realizada por Velazquez: La Coronación de la Virgen, que refleja la más alta aspiración humana de entronización celestial, nada menos que en la figura de la mujer, siglos antes de la aparición del feminismo. Ni el más furibundo feminista podría concebir pretensión semejante, dicho sea de paso.

 

No obstante todo, el arte sigue siendo lo que es, a pesar de que haya artistas que se empeñen hoy en llevar a su público por auténticos despeñaderos conceptuales. Sigue habiendo artístas hoy que, a pesar de que los cánones artísticos de nuestro tiempo no sean los del Renacimiento que expresaba Miguel Ángel, por estar más condicionados por la realidad destructiva del S.XX y la incertidumbre siempre abundante de un mundo liberal sin otro relato común que el darwinismo, sin embargo también como entonces tratan de ejecutar, según los cánones actuales, ese mismo acto creativo que acerca al hombre a Dios y le mueve a la reflexión sobre su cercanía con el creador.

A continuación rescato un artículo del pasado año donde se habla de tres artistas contemporáneas que hacen arte religioso, según los cánones actuales:

Cita

El arte moderno y la fe

El ser humano, luego de haber experimentado un profundo encuentro con Dios, ha querido plasmar esta vivencia valiéndose del don artístico, llegando a crear obras espectaculares, desde las pinturas de Miguel Ángel en el Vaticano o las que están en toda Europa; hasta las diferentes obras realizadas alrededor del mundo, especialmente en nuestras iglesias, expresiones artísticas que nos han impactado y nos acercado más a Dios.

Queremos presentarles 3 propuestas de arte religioso buscando que sean una inspiración para todos aquellos que tienen esa sensibilidad por esta forma de arte y así ponerla al servicio de la evangelización.

La primera iniciativa viene a cargo de Claudia Talavera, esposa, madre y artista. Estudió grabado y ahora se dedica a la pintura de  imágenes sacras, especialmente de María. Luego de una profunda conversión que ocurrió en los dos últimos años de la universidad, tuvo una reconciliación con Dios no solo de manera espiritual, sino también a través de sus obras.

Empezó realizando grabados de la Virgen del Carmen y la Anunciación. Ahora pinta con acrílicos, sobre lienzo, papel, prints (tiraje de una pintura que se reproduce con una impresión de alta calidad) y también un tipo de restauración de pintura sobre esculturas. Al inicio realizaba sus obras de modo personal como medio de expresión del amor que había encontrado, como una necesidad de una relación con Dios. Sin embargo, como era una de las pocas que hacía este tipo de trabajo de arte religioso, mucha gente empezó a hacerle pedidos. Por ello, Claudia inició hace tres años, su página “Pintando Vírgenes”. Increíblemente, y para sorpresa de ella, cada vez que publicaba algo, la gente lo compraba al instante.

Como artista ella expresa la necesidad intrínseca de hacer una obra que simbolice el amor a Dios y que represente la unión con su Creador: «Si los seres humanos tenemos dones maravillosos para hacer cosas, ¿por qué voy a desperdiciar ese don que me han dado y no utilizarlo para Él, el artista supremo? Solo mirando la naturaleza te das cuenta que detrás ha habido un diseñador. Creo que limitar al hombre a no hacer arte es liquidarlo. La imagen del rostro de Cristo se quedó marcada en la Sábana Santa para dejar una huella que nos conectara con Él. Cristo quiso quedarse reflejado para nosotros. La iglesia es un referente muy fuerte para mantener nuestro camino anclado, si no tuviéramos nuestras imágenes, ritos o procesiones, creo que nosotros rápidamente nos disolveríamos», nos dice Claudia.

Nos cuenta también que la Virgen María ha jugado un papel importante en su conversión y que se ha sentido siempre acompañada por ella en cada etapa de su vida: «La virgen María es aquella mujer que me ha restaurado como esposa, madre e hija».  Y es justamente en esta experiencia que la cercanía de María la ha sorprendido: «Hay un especial cariño por la imagen de la Virgen con el niño, todo el mundo le abre la puerta de su casa. Aunque no sean creyentes, es una imagen que se acepta con mayor facilidad». Esto ha hecho que sus obras lleguen a muchas personas.

«Yo siento que mi trabajo es un instrumento de Dios para la reconciliación y la restauración del nombre de la Virgen María. La pintura tiene un alcance que no depende de mí. Yo le digo, ¡Madre, ya tú sabes a dónde vas! y hasta ahora ella ha llegado a lugares que nunca me hubiera imaginado».

La segunda iniciativa viene a cargo de María Tarruela de nacionalidad española, esposa, madre de 4 hijos y pintora. Ella realiza arte abstracto que ella ha titulado: “Pintura Espiritual Contemporánea” y que es el reflejo de sus momentos más íntimos de diálogo con Dios. María empieza una conversión en la JMJ de Santiago de Compostela, luego de las palabras que San Juan Pablo II dirigió a los jóvenes: «Ustedes buscáis, pero es Jesucristo que os viene a buscar ahora», es allí donde ella sintió ese calor que la envolvía con amor y que luego le dio la fe en la Iglesia.

Después de dos años, Dios le presentó a quien sería su futuro esposo. Con él formaron una bella familia. María dio a luz a su primer hijo Santiago, quien nació con cardiopatía compleja. En medio de esta difícil situación preguntaron a Dios: ¿Señor tú qué quieres que hagamos? A lo que Él les respondió, después de abrir la biblia: «Esta enfermedad no es de muerte sino para la gloria de Dios». Entonces supieron que Santiago iba a vivir.

Luego de un camino largo,  duro y difícil, de viajes y operaciones, Santiago  empezó a recuperarse poco a poco. Esto llevó a un profundo cuestionamiento: ¿qué pasa con aquellos que no tienen los mismos recursos que nosotros y que ven una salida en el aborto? Consecuencia de ello, junto a otras familias, fundaron la ONG: Menudos Corazones, que ayuda a parejas que estén pasando por el mismo problema. Luego de varios años, sintieron el llamado de adoptar a un niño de 6 meses con problemas cardíacos que fue abandonado por sus padres.

Es en esas situaciones difíciles María tuvo la necesidad de expresar su sufrimiento por medio de la pintura, de esta forma pudo curar lo que había en su corazón. Como ella misma lo dice, sus obras tienen el objetivo de llevar a las personas de la oscuridad hacia la luz:

«El sufrimiento no es algo a evitar sino para enfocar bien. El sufrimiento te hace crecer y amar mucho más. Si nosotros no hubiéramos sufrido tanto y tan profundamente, ya que no hay nada peor que ver el sufrimiento de tu propio hijo, yo creo que no hubiéramos podido construir una familia tan fuerte y  estable sino hubiéramos puesto como base el sufrimiento».

«Al cielo con ella».

La tercera iniciativa viene a cargo de Autumn de Forest, una pintora prodigio de 15 años. Ella empezó a mostrar un talento espectacular a los 5 años. Desde entonces no ha parado de crear innumerables obras de arte que han ido alrededor del mundo y que han sido comparadas con pintores abstractos icónicos como Andy Warhol, Jackson Pollock y Pablo Picasso.

A pesar de su corta edad, Autumn siempre ha tenido un corazón generoso por lo que ha donado mucho del dinero recaudado por la venta de sus pinturas. Así ella misma se ha convertido en una inspiración para muchos adolescentes y niños que tienen una especial atracción por la pintura. La talentosa Autumn creó una Colección realizada para el Vaticano e inspirada por el Papa Francisco. Por esta exposición recibió el prestigioso premio internacional para el arte y la cultura: Giusseppe Sciacca (premio que se da a un talento joven  que realiza alguna obra para mejorar el mundo). Como ella misma lo dice: «Siempre he querido cambiar el mundo con mi arte, y si mis pinturas pueden ayudar a otros jóvenes a expresarse, proporcionando dinero para instrumentos musicales, educación artística, o para ayudar a suministrar materiales artísticos, eso es simplemente increíble. Es un increíble honor».

Dentro de la colección se encuentran obras como «Crucifixion», «Shroud- Mosaic», «Sacred», «Resurrection», entre otros. «Resurrection» se ha llevado halagos de miles de personas en el Vaticano y ha sido bendecido personalmente por el Papa. Es sencillamente increíble como las obras  creadas por Autumn nos acercan a Dios de una manera profunda y diferente, conmoviéndonos en cuerpo y alma. Es difícil explicar cómo la belleza de su arte nos llega a conectar con aquello esencial que tiene cada ser humano en su corazón.

«Resurrection».

 

 

La pregunta entonces sería, ¿Sigue siendo el arte sacro, creación y expresión de lo sagrado? ¿Es precisamente esa la función del arte, conectar al hombre con Dios, es decir, con la perfección del ser? De ser así, cada obra capaz de conectar un alma con el Creador, podría ser considerada arte en su más alta definición. E igualmente, todo aquello que por el contrario busca privar al hombre de su filiación divina, podría considerarse anti-arte o arte destructor, independientemente de la época o situación en la que se produzca.

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